木雕家的共同困境
创作人都有创作到了瓶颈的时候, 改变有时候是久久等待, 水到渠成. 时间到了自然也就会改变. 当然首要条件就是要不间断的继续创作, 才有改变的可能.
我总感觉, 全球化和互联网的方便, 一下子让世界各地拉近了距离, 大家的作品都好像说着同样的语汇, 没有太大差异, 视觉艺术上大家共享同一的知识文化库, 难免会有太多的共通性, 作品内容地域性日趋模糊, 表达手法更加相似. 所以强烈感觉到, 日后要保留自身的特色, 在大环境下, 更是难得.
所以个人近年的作品, 比较关注人文的探讨和较有情节性的表达方式, 比较早前的抽象有机体的石雕或是比较形而上美学表达的木雕器皿系列, 减少了视觉美学的框架, 增加了童趣和土味.
说到新加坡木雕家的共同困境. 就所知,至今没有人单一的专搞木雕. 比较其他材质, 木材和石料还是属于比较昂贵专业的工具, 基本维持费用还是颇高的. 雕塑工作室不比画室来得更易拥有, 另外,周遭环境还要可以耐吵耐脏, 就只能找寻工业厂房当工作室.
比较其他材质的制造, 铸铜, 锻造都有工厂可以代工,选择自然材质创作的艺术家, 若不是体力上不能负荷, 绝大多数都会亲力亲为, 这才是艺术家创作最最重要和最享受的关键.
问题是, 人们对三维雕塑艺术的接受度不高, 要成为所谓的木雕 "家" , 更是不易. 看来还是得在艺术欣赏这个环节上, 继续推广和努力, 艺术家面对困境的情况, 才有可能改善.
生活在这样一个城市化的地方, 缺少了自然的调适, 丰润自然材质更是匮乏难找, 选择木雕还是石雕可以让自己多一个感性的理由去跟自然材质对话和一起创作. 可以再次选择的话, 来世还是会从事木雕创作的.
(文章在2012年11月10日刊载于新加坡联合早报艺苑版艺博栏)
林序毅 一生与木头为伍
(2008-03-04)
● 吴启基(文)
龙国雄(摄影)
旧照片由林序毅提供
谁是林序毅
■本地著名雕塑家,擅长木雕与石雕,也从事绘画创作。他也是国际木雕营的常客。
■学历:南洋艺术学院西画系毕业,也修过雕塑课程;爱丁堡大学雕塑系硕士。
■工作:目前执教于南洋艺术学院。
■展出:曾有多次个展,最近的一次是参加滨海艺术中心的“华艺节”,创作《天堂——热带花园》装置艺术作品。
林序毅,一个爱上木材的男人。可是,他的所爱在外国、外地的森林和原野,那里有他日思夜想的好林好木,如果他是当地人,那么,他就是天底下最快乐的人了。但造化弄人,他只能用简单的材料来建构自己的艺术世界,甚至作品无法在家里完成,他利用课余时间零敲碎打,地点是他目前任教的南洋艺术学院后面的空地。
他心中有一个梦想,那就是能够用原木雕刻、创造出100个人物。但据记者所知,台湾著名木雕家朱铭的人物群雕,人数也无法达到百人。而台湾是木石到处可见的雕塑宝地。
林序毅最近的风头很健,很多到滨海艺术中心参加“华艺节”的朋友,都在中央大厅看到他的大型装置艺术作品《天堂——热带花园》。这是林序毅历来最大型作品。人们忙着拍照,也有人问,这是新加坡人的作品吗?
《天堂——热带花园》展出的一尊人物全身雕刻,得到了滨海艺术中心的财力赞助,作品主体是一个胖子和一头黑鸟,是以一块从南美洲采购而来的原木雕刻而成。有了材料,时间和空间的问题也不易解决,所幸他穷则变,变则通。用10天时间完成的“胖子”只用10天时间,他就把一块实心的大木头砍砍切切,带进一个穿大衣的成人的形貌,连正面的五官也一样不少。为此,他每天要耗上15小时。同样用上原汁原味原材料的是三个重数十公斤的实心木头种子雕刻。
可是,木头是又笨又重之物,“胖子”更高2米,重600公斤。看得出来,雕刻难外,移动更难。据他说,要动用到吊秤车和千斤顶等来辅助移动。他说:“连我儿子也说从没见过那么大的一件作品。”
策展人陈德耀说,由于展览空间过大,每年“华艺节”选择来展的艺术家都经过细心挑选和考虑,林序毅的“胖子”,本来位置是在整个装置艺术作品的上方,后来因考虑作品的承载力等因素,必须改在下面比较坚固的部分。
林序毅的“胖子”,是大型装置艺术作品《天堂——热带花园》的其中一件木雕,他在滨海艺术中心的中央大厅建了一间花园小屋,旁边出现了一个整齐排列的园林,林中有盛开的红花绿树,还有其他小件的雕塑作品。在他来说,所谓的天堂是在人间。作品充满了童话和童趣。
化无用为有用
如果把他的装置艺术分成6组来看,那么,除了两件以原木创作的作品,其他显然是一些他所说的“混合媒介”,比如那些红花绿树及图腾大门等,无不是废物利用。套用一句他的话,就是“没鱼虾也好”。
这些“小虾”,有些是他向人买来,有些是在路边看到捡现成的——像展出中的图腾大门是在一根从沙发取下的木材,再细心雕出各种热带花草植物;也有植物的形象原型是别人弃而不用的窗花。高高挂起的那块“醒木”,有人说是一朵白云,有些说是人的臀部,有些说是一个番茄,其实是一块椭圆形的加工木头.
他说:“这些小物件,可遇不可求,很多人认为,要创作一件好的作品,材料本身一定要好,这在新加坡很难做到,要也要千方百计去国外采购,我的‘胖人’材料就来自南美洲某处深山老林。可是一些简单物件,只要发现,然后组合一番,也是能够化无用为有用。”
谈到创作的艰难,他说:“我一直是木雕、石雕同时进行,石雕要用更多时间和空间,木雕可能比较容易和简易,只是木雕也要用心、用力去完成,像我在做完胖人后,马上就发现腰酸背痛,需要接受按摩。”
国际木雕营的常客
曾经多次参加各国国际木雕营的雕塑家林序毅说,长期以来,欧美国家经常有以“木雕”为主的工作营,通常是在夏天来临时举行,活动的地点是在公园,天气好外,游客又多,场面热闹有如嘉年华会。
对比之下,去年举行的第一届新加坡木雕营的展览场就冷清得多,林序毅说:“我们平常看到的雕塑全是已经成型的,其实,在创作的一周时间中,作品每天都在改变,能够看清楚整个创作过程是更有意思。像这类活动,如果大家能够出席和艺术家当面交流,甚至可以看到每一件作品的完成过程。那么,收获就更大些。”
以木材来说,新加坡木雕营的所有木材,全部由国家公园局提供,有些还是在福康宁公园和新加坡到处能找到的断木残枝。
对此,林序毅的看法是:“在没有举行木雕营之前,还真是没有想到,新加坡会有那么多好的木头可以利用。也希望有关单位在举行来届木雕营时,考虑把作品创作成可以坐人的桌椅。”
顶天立地的高耸多维作品
他还说:“在拥有大片森林的外国,木雕是采用木质较软的松木、杉木为主,雕塑家得到木头的机会也很多。新加坡的木头质地很硬,一点好处是,在外国创作的作品是新砍下来的树,湿度高会造成木材的皲裂,雕塑家们也会保留材料本身所起的变化,并不会刻意去加以补救。相反的,在新加坡倒没有这个问题,因已存放很久,木头质量也会稳定。”
林序毅在木雕营的创作,是一件顶天立地的高耸多维作品,看似静止不动,却给人在转动的视觉观感。作品也和他过去长期来的创作风格不同.
他说:“以前的作品是一小件、一小件的小木雕,而且体积越来越小,这次是一件必须配合主题‘无限’发挥的作品,高是一个特色。整件作品分成上下两部分:上面是把从大木头中电锯成板块的无数小木片,堆砌起来;底下是个非常平稳的木头底座。”
雕塑家受出生地客观环境的影响
也许在教育群众方面,木雕营不能尽善其美,但在艺术家这方面,去年共有14位木雕家参加了在本地举行的首届国际木雕营,其中八位是本地人,六位分别来自台湾、香港、韩国和加拿大。以比重来说,这第一届木雕营的东方色彩,还是比较明显的,连代表加拿大的木雕家,也是韩国人。从这里,是否可以看出东方作品的一些共同特色?
曾经留学爱丁堡大学的林序毅说:“个人风格可以不尽相同,像有些参加者是以整体木桐来从事创作,有些是以局部和零散来处理,最大的不同还关系到这些参加者出生地的客观环境,如何对他们作品所可能产生的影响。像台湾和韩国,他们得到木头的机会很多,新加坡和香港就没有这样的好处。”
因此他在对比各国作品时说,看台、韩之作,发现他们比较能够利用原材料的优点,只是加上一些小修饰就可以。重要的是,让材料可以还原到最初环境的位置上。新、港的参加者可能考虑到材料得来不易,创作时显得比较小心、谨慎,也比较注重一些用心的处理和刻划。
太太谈丈夫
一日夫妻百日恩,有谁更能了解自己的枕边人?雕塑家林序毅妻子黄娇娥也是一位留英版画家,两人的共同爱好,莫过于,你刻你的,我雕我的,有时也会关心对方的艺术。
据黄娇娥说,林序毅每10年就会在创作之余停下来想一想,接下来的10年应该怎么走?
她说:“每当这个时候,林序毅就会非常专注于自己的创作,家里的事一概不管,一心只投入到工作中,就连他的宝贝儿子也被冷落一旁。因此,每次当他要办个展时,我们必须站在一个不会影响他的距离,一家大小的关系,顿时变得非常紧张。”
林序毅搞的是木雕和石雕,他也画画,如此紧张的“非常时期”,在他创作到达10年时,显得格外分明。
两次成功渡过变法难关
黄娇娥说,到今天为止,他已两次成功渡过变法难关,每次都为他担心,到底过不过得去?所幸天道酬勤,情况是越来越好也越来越成熟。风格上他从以前的注重形体到现在讲究趣味性和嘲讽性。
她说:“我偏爱他的木雕,尤其是加上颜色的人物作品和他的大型装置艺术,像华艺节的《天堂——热带花园》,还有两件‘五色’之作。把许多过去完成的小作品组合成一件大型作品,也是他的一个偏好。”
一家住在 旧实里达军营
林序毅一家三口住在旧实里达军营内,屋前屋后都放有创作专用的木材和石材,黄娇娥说:“木材容易腐坏,不能放在户外任由风吹雨淋。自然,家中成为木头的藏放之处。我也乐于见到:明年他将会举行一次石雕展。”
谈到林序毅的个人嗜好,她说:“也许因为教学和创作的需要,他常做的一件事是上网找资料,了解最新的艺术发展和动向。他很少主动找朋友应酬,他喜欢看书、看电视。他喜欢静多于动,但在和朋友相聚时,却往往话题不少。”
(2008-03-04)
● 吴启基(文)
龙国雄(摄影)
旧照片由林序毅提供
谁是林序毅
■本地著名雕塑家,擅长木雕与石雕,也从事绘画创作。他也是国际木雕营的常客。
■学历:南洋艺术学院西画系毕业,也修过雕塑课程;爱丁堡大学雕塑系硕士。
■工作:目前执教于南洋艺术学院。
■展出:曾有多次个展,最近的一次是参加滨海艺术中心的“华艺节”,创作《天堂——热带花园》装置艺术作品。
林序毅,一个爱上木材的男人。可是,他的所爱在外国、外地的森林和原野,那里有他日思夜想的好林好木,如果他是当地人,那么,他就是天底下最快乐的人了。但造化弄人,他只能用简单的材料来建构自己的艺术世界,甚至作品无法在家里完成,他利用课余时间零敲碎打,地点是他目前任教的南洋艺术学院后面的空地。
他心中有一个梦想,那就是能够用原木雕刻、创造出100个人物。但据记者所知,台湾著名木雕家朱铭的人物群雕,人数也无法达到百人。而台湾是木石到处可见的雕塑宝地。
林序毅最近的风头很健,很多到滨海艺术中心参加“华艺节”的朋友,都在中央大厅看到他的大型装置艺术作品《天堂——热带花园》。这是林序毅历来最大型作品。人们忙着拍照,也有人问,这是新加坡人的作品吗?
《天堂——热带花园》展出的一尊人物全身雕刻,得到了滨海艺术中心的财力赞助,作品主体是一个胖子和一头黑鸟,是以一块从南美洲采购而来的原木雕刻而成。有了材料,时间和空间的问题也不易解决,所幸他穷则变,变则通。用10天时间完成的“胖子”只用10天时间,他就把一块实心的大木头砍砍切切,带进一个穿大衣的成人的形貌,连正面的五官也一样不少。为此,他每天要耗上15小时。同样用上原汁原味原材料的是三个重数十公斤的实心木头种子雕刻。
可是,木头是又笨又重之物,“胖子”更高2米,重600公斤。看得出来,雕刻难外,移动更难。据他说,要动用到吊秤车和千斤顶等来辅助移动。他说:“连我儿子也说从没见过那么大的一件作品。”
策展人陈德耀说,由于展览空间过大,每年“华艺节”选择来展的艺术家都经过细心挑选和考虑,林序毅的“胖子”,本来位置是在整个装置艺术作品的上方,后来因考虑作品的承载力等因素,必须改在下面比较坚固的部分。
林序毅的“胖子”,是大型装置艺术作品《天堂——热带花园》的其中一件木雕,他在滨海艺术中心的中央大厅建了一间花园小屋,旁边出现了一个整齐排列的园林,林中有盛开的红花绿树,还有其他小件的雕塑作品。在他来说,所谓的天堂是在人间。作品充满了童话和童趣。
化无用为有用
如果把他的装置艺术分成6组来看,那么,除了两件以原木创作的作品,其他显然是一些他所说的“混合媒介”,比如那些红花绿树及图腾大门等,无不是废物利用。套用一句他的话,就是“没鱼虾也好”。
这些“小虾”,有些是他向人买来,有些是在路边看到捡现成的——像展出中的图腾大门是在一根从沙发取下的木材,再细心雕出各种热带花草植物;也有植物的形象原型是别人弃而不用的窗花。高高挂起的那块“醒木”,有人说是一朵白云,有些说是人的臀部,有些说是一个番茄,其实是一块椭圆形的加工木头.
他说:“这些小物件,可遇不可求,很多人认为,要创作一件好的作品,材料本身一定要好,这在新加坡很难做到,要也要千方百计去国外采购,我的‘胖人’材料就来自南美洲某处深山老林。可是一些简单物件,只要发现,然后组合一番,也是能够化无用为有用。”
谈到创作的艰难,他说:“我一直是木雕、石雕同时进行,石雕要用更多时间和空间,木雕可能比较容易和简易,只是木雕也要用心、用力去完成,像我在做完胖人后,马上就发现腰酸背痛,需要接受按摩。”
国际木雕营的常客
曾经多次参加各国国际木雕营的雕塑家林序毅说,长期以来,欧美国家经常有以“木雕”为主的工作营,通常是在夏天来临时举行,活动的地点是在公园,天气好外,游客又多,场面热闹有如嘉年华会。
对比之下,去年举行的第一届新加坡木雕营的展览场就冷清得多,林序毅说:“我们平常看到的雕塑全是已经成型的,其实,在创作的一周时间中,作品每天都在改变,能够看清楚整个创作过程是更有意思。像这类活动,如果大家能够出席和艺术家当面交流,甚至可以看到每一件作品的完成过程。那么,收获就更大些。”
以木材来说,新加坡木雕营的所有木材,全部由国家公园局提供,有些还是在福康宁公园和新加坡到处能找到的断木残枝。
对此,林序毅的看法是:“在没有举行木雕营之前,还真是没有想到,新加坡会有那么多好的木头可以利用。也希望有关单位在举行来届木雕营时,考虑把作品创作成可以坐人的桌椅。”
顶天立地的高耸多维作品
他还说:“在拥有大片森林的外国,木雕是采用木质较软的松木、杉木为主,雕塑家得到木头的机会也很多。新加坡的木头质地很硬,一点好处是,在外国创作的作品是新砍下来的树,湿度高会造成木材的皲裂,雕塑家们也会保留材料本身所起的变化,并不会刻意去加以补救。相反的,在新加坡倒没有这个问题,因已存放很久,木头质量也会稳定。”
林序毅在木雕营的创作,是一件顶天立地的高耸多维作品,看似静止不动,却给人在转动的视觉观感。作品也和他过去长期来的创作风格不同.
他说:“以前的作品是一小件、一小件的小木雕,而且体积越来越小,这次是一件必须配合主题‘无限’发挥的作品,高是一个特色。整件作品分成上下两部分:上面是把从大木头中电锯成板块的无数小木片,堆砌起来;底下是个非常平稳的木头底座。”
雕塑家受出生地客观环境的影响
也许在教育群众方面,木雕营不能尽善其美,但在艺术家这方面,去年共有14位木雕家参加了在本地举行的首届国际木雕营,其中八位是本地人,六位分别来自台湾、香港、韩国和加拿大。以比重来说,这第一届木雕营的东方色彩,还是比较明显的,连代表加拿大的木雕家,也是韩国人。从这里,是否可以看出东方作品的一些共同特色?
曾经留学爱丁堡大学的林序毅说:“个人风格可以不尽相同,像有些参加者是以整体木桐来从事创作,有些是以局部和零散来处理,最大的不同还关系到这些参加者出生地的客观环境,如何对他们作品所可能产生的影响。像台湾和韩国,他们得到木头的机会很多,新加坡和香港就没有这样的好处。”
因此他在对比各国作品时说,看台、韩之作,发现他们比较能够利用原材料的优点,只是加上一些小修饰就可以。重要的是,让材料可以还原到最初环境的位置上。新、港的参加者可能考虑到材料得来不易,创作时显得比较小心、谨慎,也比较注重一些用心的处理和刻划。
太太谈丈夫
一日夫妻百日恩,有谁更能了解自己的枕边人?雕塑家林序毅妻子黄娇娥也是一位留英版画家,两人的共同爱好,莫过于,你刻你的,我雕我的,有时也会关心对方的艺术。
据黄娇娥说,林序毅每10年就会在创作之余停下来想一想,接下来的10年应该怎么走?
她说:“每当这个时候,林序毅就会非常专注于自己的创作,家里的事一概不管,一心只投入到工作中,就连他的宝贝儿子也被冷落一旁。因此,每次当他要办个展时,我们必须站在一个不会影响他的距离,一家大小的关系,顿时变得非常紧张。”
林序毅搞的是木雕和石雕,他也画画,如此紧张的“非常时期”,在他创作到达10年时,显得格外分明。
两次成功渡过变法难关
黄娇娥说,到今天为止,他已两次成功渡过变法难关,每次都为他担心,到底过不过得去?所幸天道酬勤,情况是越来越好也越来越成熟。风格上他从以前的注重形体到现在讲究趣味性和嘲讽性。
她说:“我偏爱他的木雕,尤其是加上颜色的人物作品和他的大型装置艺术,像华艺节的《天堂——热带花园》,还有两件‘五色’之作。把许多过去完成的小作品组合成一件大型作品,也是他的一个偏好。”
一家住在 旧实里达军营
林序毅一家三口住在旧实里达军营内,屋前屋后都放有创作专用的木材和石材,黄娇娥说:“木材容易腐坏,不能放在户外任由风吹雨淋。自然,家中成为木头的藏放之处。我也乐于见到:明年他将会举行一次石雕展。”
谈到林序毅的个人嗜好,她说:“也许因为教学和创作的需要,他常做的一件事是上网找资料,了解最新的艺术发展和动向。他很少主动找朋友应酬,他喜欢看书、看电视。他喜欢静多于动,但在和朋友相聚时,却往往话题不少。”
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In comparison to the often-salient themes of contemporary art
today, the retro image of the wooden portraits, the play-brick-like sculptures, and the drawings of classical buildings from Lim Soo Ngee’s recent solo show come across as almost anachronistic. But as we slowly absorb the humour, lightheartedness, and the charm of the artist’s carefree manner, we are able to enjoy them as a frank expression of the artist’s inner world. Or, to be less illusive, the exhibition is the manifestation of the artist’s modus vivendi – in perhaps an unintentional way. The show’s most captivating works upon first glance is the group of loud, brightly tinted wooden portraits called “Perfect Lovers”. These are ethnically defined images of people, each accompanied by a caricaturized animal mostly resting on the portrait’s heads. The expression on their faces is minimal, forcing viewers to seek hints from the titles for an interpretation of the artist’s intention. Facing the “perfect” family is “Paradise”, where, like a child taking liberty with his toy-bricks, the artist had assembled a group of variant forms into abstract compositions. The compositions are evocative of some ambiguous terrain probably due to the components that are suggestive of houses. Or, for viewers who have observed the compelling illustrations on the wall, the images of Renaissance buildings may have induced the presence of mysterious lands. This exhibition is interestingly and exceptionally representational, if we consider Soo Ngee’s earlier endeavours in abstraction. In the early years, the influence of Ms Han Sai Por was strong on Soo Ngee. Soo Ngee was already well-trained in Western painting before he enrolled as a full time student at NAFA in the 80s. To take on something more challenging, he opted to major in sculpture, and this began his venture into the 3-dimensional world. When Ms Han Sai Por became his tutor, he was shown the creative possibilities in extracting forms from nature to make art besides the conventional methods demonstrated by the foundation teachers. As an inquisitive student, Soo Ngee was quickly fascinated by this new direction and, for a while, he was producing abstract forms and organic shapes in various materials. It was when he left Singapore for Edinburgh College of Art to do a 2-years masters degree course, that he began a journey he could call his own. The decision to further study was a conscious act to search for new artistic expression. In order to find his own way, he had to rethink other possibilities and the capacities “sculpture” could provide. In the two years that he was put in a foreign environment, he also became more conscious of his own cultural roots. With these, Soo Ngee soon found himself adopting a brand new approach: as he let go of the previous formal inquisitions, the first thing that sip in was introspective reflections – an instinctual deed originated from his Chinese background – and soon Soo Ngee was creating work that is based on process and contemplation. “108 Days – tête-à-tête with Tic-tac” was a turning point. This installation piece is probably the least “sculptural” work he had ever produced. But to Soo Ngee, he was “still doing sculpture” – indeed, he was carving marks using a pen on papers. “108 Days – tête-à-tête with Tic-tac” was his major project in Edinburgh. It is the result of him inscribing marks repetitively daily within a set time frame of nine-to-five in the same studio, where a wind-up clock ticked and accompanied him while he “meditated”:
In the 1920s, Kasmir Malevich of Russia sought to eliminate his ego by performing what he called “the humblest act of human sensibility” – he used pencil marks to blacken an area to be later called “suprematist square”. While Malevich’s attempt to impress human will upon nature and disorder may seem resolute to the point of arrogance, Soo Ngee’s gesture, on the other hand, was more reminiscent to the humble act of a Buddhist monk chanting with the help of a wooden clapper to prepare the mind for meditation: once the mind is calmed, the true self will reveal. Not only is this an introspective activity, in his search to renew the meaning of sculpture for him, Soo Ngee is also attempting to introvert the less reciprocal process of how the artifact – usually a closed form – is subjected to being surrounded and observed in a nonreciprocal manner. In the “108 Days” installation, the viewers instead, became engulfed by and is subjected to the sensory experience the artist had put forward. This liberation transformed the agency from which his art is based – the artworks are no more a pursuit for an aesthetic end. Instead, when Soo Ngee picked up the carving tool once again, it was an instrument in which he could play with ease the casual notes and rhythms he had picked-up from his daily life experiences. The various rather intriguing shapes from the “Apparatus Series” of 1999, for example, may mislead us as a continuation of his previous abstraction, however, they were a series of work developed out of his sentiments to make casings for the random junk-souvenirs he had collected from his travelings and outings. These instrumental objects, are actually containers that would house exclusively either a piece of stone picked from a walk on a foreign street, or a coolie-hook acquired from a local flea market. From unique casings that contain the artist’s memories and nostalgia, they gradually developed into ambiguous “apparatuses” that are reminiscent of the archeological items found in the history museums – although anonymous and unknown of its origin and function, they are fragments from which a lost culture or a lost memory is contained. The recent exhibition is a further exposure of Soo Ngee’s found artistic attitude – which in turn, is his modus vivendi as mentioned earlier. The artist’s individual temperament and disposition became essential components that render the work meaningful. The “Perfect Lover” family, for example, gives away his mischievous personality. In his subtle metaphors, these neo-realist characters are representatives of social-beings in our communities. According to the artist, the animals and insects attached to the portraits are signifiers of their identity. If this is the case, Mr Prince White Horse is then obviously prince charming, Miss Hua denotes flower – butterfly – vanity, Madam Jiao could be a bird-brain women, Mr Meow, the “cat” man, is known as the thrifty one… These vivid characters sparked off from the fingertips of Soo Ngee, when he, with the leisure of a hobbyist, carved joyously on the wooden blocks he acquired randomly from various sources. They are spontaneous expressions that are fed by the artist’s aesthetic judgment, personal sentiments, and fragments from his daily memories. As he playfully calls them the “Perfect Lovers”, the cultural reference he endowed is blithely subjective rather than a critical sarcasm of a sociological nature. The “Paradise” series is even more private and with much child-like innocence. Comprises of groups of miniature forms and found objects, the bits and pieces of varied shapes make up a metaphorical play land, as if the artist had been a child again to construct a dream land out of his favourite play bricks and toys. The interesting thing with this group of work is how the bits and pieces seem like forms liberated from the Renaissance buildings depicted in the black and white drawings on the corresponding wall, as if the casual brushstrokes of a modern Chinese painting born from the traditional techniques a trained-master had released. At the same time as these drawings belie Soo Ngee’s artistic educational background, the forces for his final liberation however, originated from a tradition that emphasizes on transcendence. Very often we find contemporary artists eagerly articulating cultural identity to the extent that it risks becoming parochial. Soo Ngee’s art exemplifies that even without forceful efforts, a piece of art is always a specific model from which we could discern the artist’s cultural belonging. While “culture” could be heavy, problematic, and burdening, Soo Ngee chose to enchant us with his manner of ease. Writer : Tan Yen Peng 2006 |